Ouroboros (2022) takes its title from the ancient symbol of a serpent consuming its own tail. The circular form of the ouroboros signifies both an endless cycle and the possibility of transformation occurring between a beginning—the head—and an end—the tail.
The artist uses this structure to examine the relationship between humanity, the environment and climate change. Composed of seven interconnected works, Ouroboros adopts elements of immersive theatre to construct the exhibition itself as a circular system. Rather than encountering each work as an isolated object, viewers move through a sequence of situations concerning consumption, information, repair, waste and regeneration.
At the centre of the project is the idea of the ‘Ouroboros effect’: an attempt to solve one problem may unintentionally generate another problem, which can eventually return to affect its original cause. Through this circular structure, the project considers how human-centred systems of consumption, development and intervention produce environmental consequences that ultimately return to the conditions from which they emerged.
The work was presented in a cultural space converted from a former chemical factory. Existing rooms, machinery and architectural traces were incorporated into the installation rather than treated as a neutral background. A large black curtain carrying the projected image of the ouroboros enclosed the main installation, while the viewer physically entered and moved through the space it defined.
The SITE therefore became part of the work itself: a former industrial environment became the setting in which questions of production, consumption, intervention and environmental consequence were encountered.
Ouroboros, 2022
Variable installation, mixed media, composed of seven works
- Ouroboros — 4 × 3 m, projection-mapped single-channel video, curtain
- Breaking News: Snack Information — variable installation, video, TV, headphones, carpet, sofa, TV stand, floor lamp and books
- Repair, Repaired (Do Action) — variable installation, single-channel video, projector
- Snack Painting 1 — 20 × 24 in, photographic print and acrylic paint on canvas, snack packaging, snacks, mixed media
- Snack Painting 2 — 20 × 24 in, photographic print and acrylic paint on canvas, snack packaging, snacks, mixed media
- Ice Melting — variable installation, projection, single-channel video
- Wasted Island — variable installation, discarded paper, industrial Styrofoam and waste materials, analogue TV, DVD player, with I Am Drifting, video, LCD monitor
Breaking News: Snack Information
Breaking News: Snack Information (2022) is positioned at the entrance, outside the curtain that encloses the main Ouroboros installation.
The work transforms part of the exhibition space into a familiar domestic living room using a television, sofa, carpet, lamp, headphones and books. Within this environment, however, the ‘breaking news’ playing on the television is not actual news, but a constructed news programme performed and produced by the artist.
In the video, the artist repeatedly performs two everyday actions: eating snacks and rapidly scrolling through a smartphone. The two actions follow the same rhythm. Actual news headlines and audio concerning environmental and climate issues are continuously interrupted and replaced, gradually becoming fragmented.
The work began with the artist’s observation of the way information is consumed through smartphones and other digital media. Information of radically different significance can pass through the same interface at the same speed, encouraging a form of consumption that resembles eating a snack: quick, convenient and immediately followed by the next item.
The familiar living-room setting places the viewer inside this condition. Sitting on the sofa surrounded by a TV, lamp and books, the viewer is no longer simply observing a critique of media consumption but temporarily occupies the position of the information consumer.
The work therefore considers not only environmental issues themselves, but also the systems through which those issues are delivered, fragmented and consumed.
Repair, Repaired (Do Action)
Moving further inside the curtain, Repair, Repaired (Do Action) (2022) appears at the beginning of the circular route.
In the video, the artist repeatedly applies white paint to the surface of a blue balloon. The simple action remains ambiguous between protection and damage, repair and interference.
An action intended to preserve or repair something may simultaneously alter, cover or damage it. Through this repetitive gesture, the work questions whether an intervention can ever remain separate from the thing it attempts to repair.
Within the larger structure of Ouroboros, this ambiguity becomes part of the project’s circular logic: an attempt to correct one condition may itself become the beginning of another consequence.
Snack Painting 1 / Snack Painting 2
The Snack Painting works extend the act of ‘eating’ introduced in Breaking News: Snack Information into painting.
The artist reconstructs images and text derived from digital media and snack imagery into an initial collage, which is then printed onto canvas. Physical snacks, packaging and acrylic paint are subsequently added to the printed surface, repeatedly moving the image between digital information and material object.
Texts are obscured or erased, consumed images reappear as physical objects, and the flat printed image is disrupted by material traces.
Through this movement between digital image, print, food, packaging and painting, information consumption and material consumption become part of the same structure. The works translate the act of consuming information ‘like a snack’ back into physical matter, allowing the residues of consumption to remain visible.
Ice Melting
Ice Melting (2022) actively incorporates the architectural conditions of the former chemical factory in which Ouroboros was exhibited.
A room and machinery remaining from the building’s industrial past were retained as part of the installation. The projection was mapped onto the existing machine, while viewers encountered the work from outside the room through a window.
The video is structured through a frame-within-a-frame. In the larger image, ice continuously melts in real time. Within the smaller frame, a blue circular form undergoes a series of transformations before eventually fragmenting.
The circular form recalls the structure of the ouroboros itself, but here the cycle does not simply return to its original state. Transformation produces instability and eventually disintegration.
The machinery continues to occupy the place where it once operated, while the projected image changes across its surface. Architecture, industrial history, image and physical transformation therefore overlap. The window through which the viewer watches becomes another frame, suggesting that nature and human-made systems cannot be understood as entirely separate conditions.
Wasted Island / I Am Drifting
Following the circular route further, the viewer encounters Wasted Island (2022), the largest installation within the project.
The work developed through research into the Great Pacific Garbage Patch (GPGP). The artist considered the unsettling point at which accumulated waste becomes so extensive that it begins to resemble a geographical territory—a landscape produced through human consumption.
Industrial Styrofoam and discarded materials were assembled into the form of an island. Within the structure, a second-hand analogue television silently plays images of the sea.
Nearby, an LCD monitor presents I Am Drifting (2022). The artist uses white noise in a way that can be mistaken for the sound of waves, while a text written from the imagined perspective of drifting waste appears as subtitles. The image of the sea remains silent, while electronic noise begins to assume its sound.
The text gives a temporary voice to an object that has been consumed, discarded and left to drift. Consumption does not disappear when the act of consuming ends; its material consequences remain elsewhere.
Wasted Island therefore turns accumulation into geography. Waste becomes landscape, and the cycle of consumption and disposal becomes physically present as a territory through which the viewer must navigate.
Together, the seven works of Ouroboros form a circular system rather than a linear narrative. The viewer moves through different conditions of consumption, information, repair, waste and regeneration, encountering each as part of a structure in which one action produces the conditions for another.
The cycle does not necessarily restore the system to its original state. Instead, repetition generates transformation, residue and unexpected consequences.
Through this structure, Ouroboros asks how human actions return through the systems they produce—and how attempts to consume, control, repair or resolve one condition may become the starting point of another.
〈우로보로스 Ouroboros〉(2022)는 자신의 꼬리를 삼키는 뱀을 뜻하는 고대의 상징 ‘우로보로스(Ouroboros)’에서 출발한다. 원의 형태를 이루는 우로보로스는 끝없이 이어지는 순환을 의미하는 동시에, 처음인 머리와 끝인 꼬리 사이에서 지속적으로 발생하는 변화의 가능성을 내포한다.
작가는 이러한 구조를 통해 인간과 환경, 기후변화의 관계를 바라본다. 〈우로보로스〉는 서로 연결된 7개의 작업으로 이루어져 있으며, 몰입형 극장(Immersive Theatre)의 형식을 빌려 전시 전체를 하나의 순환 구조로 구성한다. 관객은 각각의 작품을 독립된 대상으로 감상하기보다 하나의 순환적 동선을 따라 이동하며 소비, 정보, 복구, 폐기, 재생의 장면을 차례로 통과한다.
프로젝트의 중심에는 **‘우로보로스 효과(Ouroboros effect)’**가 있다. 하나의 문제를 해결하기 위한 시도가 또 다른 문제를 발생시키고, 그 결과가 다시 원인에 영향을 미치는 구조를 뜻한다. 작가는 이를 인간 중심적인 소비와 개발, 개입이 환경적 결과를 만들어내고, 그 결과가 다시 인간의 삶과 환경에 영향을 미치는 인류세의 구조와 연결한다.
전시는 과거 화학약품 공장으로 사용되었다가 문화예술공간으로 전환된 장소에서 진행되었다. 작가는 공간에 남아 있던 방과 기계, 건축적 흔적을 중립적인 배경으로 두지 않고 설치의 일부로 사용했다. 거대한 검은 커튼에는 우로보로스의 형상이 프로젝션 맵핑되고, 관객은 그 커튼 안으로 직접 들어가 작품들 사이를 이동한다.
따라서 이 프로젝트에서 SITE 역시 작품의 일부가 된다. 과거 산업 생산이 이루어졌던 장소는 생산과 소비, 인간의 개입과 그 결과를 다시 바라보는 환경으로 전환된다.
〈우로보로스〉, 2022
가변 설치, 혼합 매체, 하위 7개 작품으로 구성
- 〈우로보로스〉 — 4 × 3 m, 프로젝션 맵핑 단채널 비디오, 커튼
- 〈Breaking News: Snack Information〉 — 가변 설치, 비디오, TV, 헤드폰, 카펫, 소파, TV 받침대, 스탠드 조명, 책
- 〈Repair, Repaired (Do Action)〉 — 가변 설치, 단채널 비디오, 빔프로젝터
- 〈Snack Painting 1〉 — 20 × 24 inch, 캔버스에 사진 인쇄, 아크릴페인트, 과자봉지, 과자, 혼합 매체
- 〈Snack Painting 2〉 — 20 × 24 inch, 캔버스에 사진 인쇄, 아크릴페인트, 과자봉지, 과자, 혼합 매체
- 〈Ice Melting〉 — 가변 설치, 빔프로젝터, 단채널 비디오
- 〈Wasted Island〉 — 가변 설치, 폐지, 공업용 스티로폼 및 폐산업물, 아날로그 TV, DVD Player, 〈나는 표류한다 I Am Drifting〉 비디오, LCD 모니터
Breaking News: Snack Information
〈Breaking News: Snack Information〉(2022)은 〈우로보로스〉의 주요 공간을 감싸는 커튼 바깥, 입구에 배치된다.
작가는 TV, 소파, 카펫, 조명, 헤드폰과 책을 이용해 전시장의 일부를 익숙한 거실처럼 구성했다. 그러나 TV에서 재생되는 ‘Breaking News’는 실제 뉴스가 아니라 작가가 직접 퍼포먼스하고 제작한 가상의 뉴스이다.
영상에서 작가는 과자를 먹는 행위와 휴대전화 화면을 빠르게 스크롤하는 행위를 반복한다. 서로 다른 두 행동은 동일한 리듬으로 수행된다. 그 사이 실제 환경과 기후 문제를 다루는 뉴스의 타이틀과 음성이 교차하며 점차 화면 속에서 잘리고 대체된다.
이 작업은 스마트폰과 디지털 매체를 통해 정보를 소비하는 방식에 대한 작가의 관찰에서 출발한다. 서로 다른 중요도를 가진 정보들이 같은 화면에서 같은 속도로 지나가고, 우리는 이를 충분히 판단하기 전에 다음 정보로 이동한다. 작가는 이러한 태도를 마치 ‘스낵을 먹듯’ 빠르고 간편하게 정보를 소비하는 방식으로 바라본다.
관객은 내가 집에서 가지고 있을 법한 소파에 앉아 그 화면을 본다. TV와 카펫, 조명, 책으로 구성된 익숙한 환경 안에서 관객은 어느 순간 뉴스를 바라보는 외부의 관찰자가 아니라 이미 뉴스의 소비자가 된다.
따라서 이 작업은 환경 문제 자체뿐 아니라 그 문제가 우리에게 전달되고, 분절되고, 소비되는 방식을 함께 바라본다.
Repair, Repaired (Do Action)
커튼 안으로 들어가면 〈Repair, Repaired (Do Action)〉(2022)이 순환 동선의 시작에 놓인다.
영상에서 작가는 파란 풍선 위에 흰 페인트를 반복적으로 칠한다. 단순한 행동이지만 그것이 보호인지 훼손인지, 수리인지 개입인지 명확하게 구분되지 않는다.
무언가를 보호하거나 복구하기 위한 행동이 동시에 그것을 변화시키거나 덮어버리고, 또 다른 손상을 만들 수도 있다. 작품은 이러한 반복적인 행위를 통해 무언가를 ‘고친다’는 행동이 과연 그 대상과 완전히 분리될 수 있는지를 질문한다.
〈우로보로스〉 전체의 구조 안에서 이러한 모호함은 다시 순환의 일부가 된다. 하나의 상태를 수정하기 위해 시작된 행동이 또 다른 결과의 시작이 될 수 있기 때문이다.
Snack Painting 1 / Snack Painting 2
〈Snack Painting〉 연작은 〈Breaking News: Snack Information〉에서 수행했던 ‘먹는 행위’를 회화로 확장한다.
작가는 디지털 환경에서 가져온 이미지와 텍스트, 과자의 이미지를 재구성하여 1차적인 콜라주를 만들고 이를 캔버스에 프린트한다. 이후 실제 과자와 과자봉지, 아크릴페인트를 다시 화면에 개입시키면서 이미지는 디지털 정보와 물질 사이를 반복적으로 이동한다.
텍스트는 가려지거나 지워지고, 소비되었던 이미지는 다시 실제 사물로 나타나며, 평면의 인쇄 이미지는 물질적인 흔적에 의해 다시 교란된다.
디지털 이미지, 프린트, 음식, 포장지와 페인팅 사이를 오가는 과정을 통해 정보의 소비와 물질의 소비가 하나의 구조 안에 놓인다. ‘스낵처럼 정보를 소비한다’는 행위는 다시 실제 물질로 되돌아오고, 소비 이후에 남겨진 흔적은 화면 위에 그대로 잔존한다.
Ice Melting
〈Ice Melting〉(2022)은 전시가 이루어진 옛 화학약품 공장의 건축적 조건을 적극적으로 활용한 작업이다.
공장 시절부터 남아 있던 방과 기계를 그대로 사용하고, 기존 기계의 표면에 영상을 프로젝션 맵핑했다. 관객은 방 안으로 직접 들어가지 않고 창밖에서 내부를 바라보도록 동선이 구성되었다.
영상은 프레임 안에 또 다른 프레임이 존재하는 구조로 이루어진다. 큰 화면에서는 실제 얼음이 실시간으로 계속 녹아내리고, 그 안의 작은 프레임에서는 푸른 원형이 여러 형태로 변화하다가 결국 파편화된다.
원의 형태는 우로보로스의 순환 구조를 다시 떠올리게 하지만, 이곳에서 순환은 반드시 처음의 상태로 돌아오지 않는다. 변화는 불안정성을 만들고 결국 해체로 이어진다.
기계는 과거 작동했던 장소에 그대로 남아 있고, 그 표면에서는 이미지가 끊임없이 변화한다. 기존 건축과 산업의 흔적, 프로젝션과 물리적 변화가 하나의 화면 안에서 겹친다. 관객이 바라보는 창 역시 또 하나의 프레임이 되며, 자연과 인간이 만든 시스템이 서로 분리되어 존재하는 것이 아니라 얽혀 있음을 드러낸다.
Wasted Island / 나는 표류한다 I Am Drifting
순환 동선을 따라 이동하면 프로젝트에서 가장 큰 설치 작업인 〈Wasted Island〉(2022)와 마주하게 된다.
이 작업은 태평양에 형성된 거대한 해양 쓰레기 지대인 **GPGP(Great Pacific Garbage Patch)**에 대한 리서치에서 출발한다. 작가는 인간의 소비로 발생한 폐기물이 축적되어 어느 순간 하나의 지리적 영역처럼 보일 정도의 규모가 되어버린 상황에 주목한다.
공업용 스티로폼과 여러 폐기물을 모아 섬의 형태를 만들고, 그 안에 중고 아날로그 TV를 배치해 바다의 이미지를 무음으로 반복 재생한다.
그 옆의 LCD 모니터에서는 〈나는 표류한다 I Am Drifting〉(2022)가 재생된다. 작가는 화이트 노이즈를 파도의 소리처럼 착각할 수 있도록 구성하고, 표류하는 쓰레기의 입장에서 쓴 ‘나는 표류한다’라는 텍스트를 자막의 형식으로 함께 보여준다. 바다의 이미지는 침묵하는 반면 전자적인 노이즈가 오히려 바다의 소리를 대신한다.
텍스트는 소비되고 버려진 뒤 표류하는 사물에게 잠시 목소리를 부여한다. 소비라는 행위가 끝났다고 해서 그 결과가 사라지는 것은 아니며, 폐기된 물질은 다른 장소에 남아 새로운 환경을 구성한다.
〈Wasted Island〉는 이러한 축적을 하나의 지형으로 전환한다. 폐기물이 풍경이 되고, 소비와 폐기의 순환이 관객이 직접 마주해야 하는 하나의 영토가 된다.
〈우로보로스〉를 구성하는 일곱 개의 작업은 하나의 선형적인 이야기가 아니라 서로 연결된 순환적 시스템을 구성한다. 관객은 그 안에서 소비, 정보, 복구, 폐기, 재생이라는 서로 다른 상태를 통과하고, 하나의 행동이 다음 상태를 만들어내는 과정을 경험한다.
그러나 이 순환은 반드시 처음과 동일한 상태로 되돌아오지 않는다. 반복의 과정에는 변화와 흔적이 남고, 때로는 예상하지 못했던 또 다른 결과가 발생한다.
〈우로보로스〉는 이러한 구조를 통해 인간의 행동이 자신이 만들어낸 시스템을 거쳐 어떻게 다시 되돌아오는지를 질문한다. 그리고 무언가를 소비하고, 통제하고, 복구하고, 해결하려는 행동 자체가 어떻게 또 다른 상태의 시작이 될 수 있는지를 바라본다.
Variable installation, mixed media; composed of seven work